¿Quienes son los 54 músicos mas importantes de la historia del jazz?... ¿Es posible hacer una elección incuestionable de ellos ?... La Baraja de naipes Grandes del jazz se mojó y los eligió ... Pero ¿Quien sobra? ¿Quien falta?. Hagamos un repaso de esos elegidos:
A finales de los años 30, cuando la era del Swing ya estaba en sus postrimerías, el exquisito
pianista Nat King Cole, con su swing y su
pianismo flexible y elegante, sacaba la
cabeza entre las big band reinantes de la época , para proponer un novedoso formato de trio (piano, contrabajo y guitarra) que aumentaba las posibilidades de expresión y de trabajo
para los pianistas de jazz.
Ese trio histórico se formó con Nat King Cole al piano, Oscar Moore a la
guitarra y Wesley Prince al contrabajo, y se convertiría en un modelo a imitar por cientos o miles de pequeñas bandas
de jazz, y que gracias a su concepción moderna, mantiene
su vigencia en estos dias .
En esa época del
Swing en que predominaban las grandes bandas de jazz, The Swingsters -que así se llamaba el trio de Cole- comienza a realizar giras y a participar en numerosos programas de radio (era el
equivalente a la televisión de nuestros tiempos). Con esas apariciones Nat ganará cierta fama; pero cuando en 1940 graba Sweet Lorraine, obtendrá un éxito tan grande, que romperá moldes que rebasarán el ámbito del
jazz .
En
1944 Nat King Cole está pletorico de facultades y participa
en el primer concierto de las JATP de
Norman Granz . El 42 y el 46 graba en
trio con Lester Young y también lo hace
con otros grandes nombres como Benny Carter por ejemplo. En 1946, la revista "Metronome" lo elige
Pianista del año.
En 1950 Nat King Cole alcanza con Mona Lisa el número uno de ventas de discos en EEUU, y
desde ese momento se inicia una nueva etapa en su carrera. Nat se convierte en un cantante de baladas; pero que aun no olvida sus raíces jazzeras. Este cambio le trae
un aluvión de críticas que le acusan de venderse a la
música comercial.
Poco a poco , su exitosa faceta de cantante le va apartando
del piano, hasta que al final terminará convirtiéndose en un cantante de música
popular que prescinde del trio y
del teclado. Su repertorio se amplía y comienza a versionar temas que le conectan con un publico mas popular y
universal. Su nombre comienza a ser un
fijo en las listas del Hit Parade de medio mundo y tambien en la de los críticos, que parecen envidiar su éxito popular y su tren de vida.
Muchos de los grandes nombres del jazz son deudores de sus
conquistas jazzeras y de su estilo magnético ante el publico. Estos son algunos de ellos: Art Tatum, Oscar Peterson, Erroll Garner, George
Shearing, Bill Evans, Monk, Ray Charles, Paul Blay… y asi, hasta llegar a
sus confesos y contemporáneos admiradores All Jarreau y Diana Krall.
Nat King Cole, el cantante elegante de voz aterciopelada y especial, era un fumador empedernido. Falleció en 1965, tal como tenia que palmar: Joven y con un cáncer de pulmón.
A pesar de su carrera plagada de éxitos comerciales; de los millones de fans y de los miles de reconocimientos de parte de sus colegas, fue duramente contestado por muchos envidiosos y críticos con mentalidad purista. Por eso, probablemente, no todos los que pasen por aqui, esten de acuerdo en que Nat este invitado a la fiesta de los 54 mejores de todos los tiempos. ¡Ustedes tienen la palabra!
Aprovecho la ocasión para saludar con este tema interpretado por Nat King Cole, las fiestas navideñas de todos los amigos que pasen por aquí,
Roy Eldridge es otro de los incontestables en la lista de los 54 grandes de la historia del jazz. Por culpa de su hermano mayor, el saxofonista Joe Eldridge, aprende música y comienza a tocar la batería con solo 7 años de edad; Luego entraran en su dominio:
el piano; la trompeta; la tuba y hasta
el canto; pero al iniciar su carrera profesional –en 1927- se queda definitivamente con la trompeta.
Cuando las grandes orquestas de la era del Swing le escuchan tocar, se lo rifan y el joven virtuoso termina tocando en casi todas: Teddy Hill; Fletcher Henderson; Count Basie; Benny Goodman; Artie Shaw y la
del gran batería Gene Krupa, quien le
ayudara a consolidarse como el mejor trompetista de jazz en aquellos años del Swing.
Roy Eldridge -que
tuvo como modelos de referencia a los saxofonistas Coleman Hawkins y Benny Carter y al virtuoso rey de la trompetaLouis Armstrong- pronto conseguirá una voz propia que seria un poderoso imán
para los jóvenes músicos de jazz de vanguardia, propiciando con ello el grito de cambio del
Swing al Bebop.
Su estilo "moderno" basado en la simplicidad, la
agilidad rítmica y la potencia. le convierten en un modelo para la nueva generación de músicos, considerándosele
por ello como el instrumentista eslabón entre los geniales trompetistas Louis Armstrong y Dizzy Gillespie; El uno representando los
inicios y la tradición del jazz y el otro la apertura hacia el jazz moderno.
A Roy se le considera como un antecesor del bebop y la influencia ejercida sobre Dizzy Gillespie
y los demás revolucionarios del bebop, dicen mucho sobre la gigantesca figura musical de Roy Eldridge.
Desde los años
cincuenta en adelante , el productor, promotor y empresario Norman Granz invitará
a Roy Eldridge a participar en sus giras, conciertos y otros numerosos proyectos de las JAPS (grupo constituido por Granz conlos mejores músicos de jazz del momento). Sus grabaciones para el sello Pablo ( también de Norman Granz) las hará junto a músicos tan extraordinarios como Ella Fitzgerald, Art Tatum
, Benny Carter, Oscar Peterson, Zoot Sims, Ben Webster... y quedaran catalogadas por los aficionados como verdaderas joyas de esta música.
Finalmente Roy trabajará
y grabará por su cuenta con sus antiguos colegas de la época del Swing. Es gente como Gene Krupa, Count Basie, Benny Goodman... y también lo hará en pequeños grupos de amigos como Earl Hines, Coleman Hawkins, Johnny Hodges …. y con todos ellos certificara -hasta
el ultimo respiro- su pertenencia al
grupo de los mas grandes de la historia
del jazz.
Tengo la costumbre de comenzar el día con un café, una
tostada y la insana ingesta de los sapos y culebras que vienen dentro de las
noticias que ocurren en el mundo. Es una costumbre que adquirí cuando
hacia mis viñetas editoriales y de opinión para la prensa escrita y que, como
podréis imaginar, es un paseo obligado para los que realizan este tipo de trabajo. Para quienes no
lo sepan, les diré que este oficio es un trabajo de ingenio que consiste en recopilar, contrastar y digerir la porquería
que se genera en el mundo, para transformarla luego, en algo comestible para Uds. (los
lectores desconocidos). Es como transformar la mala leche en un agradable
postre por medio de un proceso llamado
humor. Lo que no saben los lectores, es que en el camino de esa creación,
muchos dibujantes se empachan con los malos rollos noticiosos y terminan angustiados y con un humor inversamente proporcional al que generan con el dibujo.
En mi repaso comienzo por
las viñetas de mis ex-colegas: El Roto, Forges, Máximo, Mingote, Peridis, Vergara…. y
antes (cuando eran visibles en la web del diario El Mundo) con las de mi amigo Ricardo, las de
Guillermo, las de Pachi e Idígoras y las de Gallego y Rey. Para mi, las viñetas de los periódicos son como las ventanas por las que circula el aire fresco del periodismo.
De ahí paso a la auto flagelación que viene con la lectura del
resto de las noticias. Hoy he leído que
EEUU sigue batiendo sus record de
pobreza, sobrepasando ya los 46 millones de pobres. Eso es tanto como toda la
población de España ¡Tremendo!... En el
apartado de Nacional me hundo otro poco cuando
leo que “muchos jubilados y ciudadanos desempleados de la clase media
española, se suman a los pobres e indigentes que buscan comida en los basureros” …
pienso que Ud. o yo también podríamos ser uno de ellos, ya que en ese lote encontraremos a gentes de todos los
oficios imaginables, exceptuando eso si, a los Políticos profesionales, que por ser especiales, con un paladar y gusto exquisito, necesitan ingerir sus alimentos en el Ritz o en
restaurantes de copete con varias estrellas Michelin…y es que la cuenta la pagamos nosotros. Es sabido que a los políticos, en teoría nuestros empleados, siempre habrá
que tratarles con respeto y echarles de comer aparte.
Para recuperarme un poco decido cambiar de tercio y navego a la website Música de JazzdeHéctor Aguilera. Leo la entrada que le ha dedicado al pianista y
compositor estadounidense Phineas Newborn Jr y cuando le escucho tocar el piano me doy
cuenta que no ha sido un cualquiera. La
entrada de Héctor termina diciendo que Phineas Jr fue enterrado en una fosa común, como un
indigente, en el Cementerio Nacional de Memphis, y remata con un comentario del
critico Leonard Feather, que dijo de él “que en su primera etapa musical fue uno de los tres más grandes
pianistas de jazz de todos los tiempos”.
Esto me lleva a recordar -otra vez- a los 46 millones de
pobres estadounidenses y en contrapartida, a la Jazz Foundation of America que
es una organización de caridad sin
animo de lucro, que intenta ayudar a los músicos de jazz que forman parte del multimillonario grupo de
marginados del sistema capitalista.
Entre los músicos de jazz que están en esa bolsa de miseria existe una enorme
cantidad de homeless y de desahuciados que ni siquiera pueden pagar el
alquiler de una pensión de mala muerte; Hay enfermos sin seguro médico,
que sin un centavo en el bolsillo, no
pueden hacerse valer en los hospitales
del pais de las oportunidades; Hay miles sin
trabajo que estando en bancarrota o acuciados por las deudas se refugian en el alcohol o las drogas
para mitigar las desgracias de sus
tristes y miserables vidas sin presente ni futuro…
La Jazz Foundation of
America intenta cambiar la suerte de
esos músicos pobres. Para ello pone parches al sistema y organiza conciertos
benéficos con grandes figuras de la
música que se solidarizan con sus compañeros caídos en desgracia.
Este año la fiesta grande fue en el Apollo, que es el centro reverencial de la música negra en
New York. El publico respondió y gracias a ello se salvaran muchos de esos necesitados que abundan en el mundo del jazz; Y lo mejor de todo, es que gracias a esa labor se removerán conciencias para que un día
sea posible que TODOS los humanos -jazzeros o no- puedan llenar sus cucharas, tengan un techo donde guarecerse y una sanidad y educación a su alcance por el solo hecho de
existir.
Otro dia volveremos con los 54 elegidos de la baraja; Pero
creo que este tema de la pobreza y de la crisis económica mundial es mucho mas importante que eso.
PS. Si quiere sumarse
a los Quincy Jones, John Scotfield, Lou Donaldson, Elvis Costello….: http://jazzfoundation.org/
Al revés de lo sucedido con el resto de los músicos que he presentado aquí, el apabullante sonido del saxo de Sonny Rollins aun sigue sonando con fuerza y por ello su historia se tiene que reescribir día a día, y si fuera por la cantidad de páginas que se han escrito valorando su inmenso talento musical, ya le sobrarían méritos para figurar entre los 54 mejores de todos los
tiempos...
Y es que Sonny Rollins se ha convertido por derecho propio -y desde hace mucho tiempo- en un referente histórico del saxo tenor,
al igual que lo son Coleman Hawkins, Lester Young o John Coltrane, los otros grandes tenores
que han creado escuela dentro del jazz.
El estilo Sonny nos recuerda
la densidad volumétrica del
sonido de Coleman Hawkins y el vuelo
improvisador de Charlie Parker; aunque
en el caso de Sonny las improvisaciones se basen en la melodía y no en
acordes como hacia Bird. Esta característica le hace parecer como un alegre ciclón capaz de envolver nuestros
sentidos para transportarlos a una nube y, desde ahí, emocionarnos hasta el infinito con los altos vuelos de su música hipnotizadora.
Dicen en las enciclopedias que Art Tatum ha sido el pianista mas espectacular que ha dado el jazz, y algunos eruditos opinan que no solo eso, sino que tambien fue el mejor y mas completo instrumentista que ha tenido esta música en toda su existencia. Es difícil de aceptar este tipo de rankings; pero lo que esta claro -porque es evidente- es que este señor fue un portento en lo suyo y que le sobran méritos para estar en esta fiesta de los 54 mejores de todos los tiempos.
Nacido casi ciego en una familia de músicos, Art Tatum se formó en la disciplina de la música clásica. Pero muy pronto se despierta en él un gran interés por el divertido jazz que hace su idolatrado Fats Waller. Al poco tiempo -siendo un adolescente- ya está liderando junto a Fats, el popular movimiento pianístico conocido como Stride, una version moderna del ragtime en los años 20.
En 1932, Art ya conoce todos los secretos del teclado y se muda a Nueva York. Su primera grabación será Tiger Rag (1933). Muchos, al escucharle se quedan petrificados pensando que toca como 2 pianistas a la vez… Que tiene 10 dedos en cada mano… ¡ Que es un monstruo! y si lo es; pero solo del piano.
Art hace sonar su piano como una Orquesta, así que elige -preferentemente- ser un músico solista. Su segunda opción será tocar en trio y por ultimo en pequeños combos.
Tatum, que no fue un revolucionario ni inventó nada en el jazz, solo se dedicó a reinterpretar standards; éxitos de espectáculos musicales y piezas de compositores clásicos; pero todo bien aderezado (muchas veces con exceso) y siempre pasado por un fino cedazo especial que producía temas plenos de imaginación, sabiduría y talento; tocados con un virtuosismo y técnica pianistica tan perfecta que parecia sobrenatural. Esto fue suficiente para que los revolucionarios del jazz (Bird; Prez; Dizzy o Bean) dibujaran sonrisas y se quedaran con la boca abierta cada vez que lo escuchaban tocar.
A finales de la década de los 30, Tatum realiza una gira por USA (Cleveland, Chicago, Nueva York, Los Ángeles) que rematará al otro lado del charco, en Inglaterra. En los 40, en plena Segunda Guerra Mundial forma un trío de cuerdas con el contrabajista Slam Stewart y el guitarrista Tiny Grimes. Juntos recorren América del Norte y hacen esplendidas grabaciones donde queda constancia de su buen rollo musical. La singularidad de la música de Tatum no es óbice para que en la década de los 50 el famoso productor y empresario Norman Granz le brinde la oportunidad de grabar en 4 sesiones, 121 temas en solitario. Art está tremendo en esos discos.
Entre sorbo y sorbo de alcohol y antes de morirse, a este singular y admirado musico de músicos, aun le quedó tiempo para hacer otras grabaciones antológicas en el sello de Granz. Acompañado de jazzmen gigantes como Ben Webster, Benny Carter, Lionel Hampton, Buddy Rich, Jo Jones y Roy Eldridge, hizo unas grabaciones testamentarias que sirvieron para que la historia le pusiera definitivamente en el lugar que le correspondia dentro del jazz... Probablemente como el rey de corazones que ocupa en la baraja.
¿Es Tatum un incontestable entre los 54 mejores de todos los tiempos? Yo creo que a pesar de las criticas por su tendencia a pasarse y por su excesivo amor por los juegos artificiales, SI lo es, y con mayúsculas.
Benny Goodman fue el noveno de doce hermanos nacidos en una familia pobre de inmigrantes judíos europeos. Animado por su padre, que le veía como la salvación económica de la familia, aprende los secretos del clarinete en la Sinagoga de Kehelah Jacob y más adelante en la benéfica Hull House, donde adquiere formación clásica. Desde sus inicios, Goodman exhibe un talento excepcional y hace sus primeras apariciones en público siendo un niño. Muy pronto compartirá escenarios con grandes nombres del jazz y gracias a su talento, el Sindicato de Músicos le entrega el carnet de músico profesional a la edad de 14 años. Ese carnet lo entrenará tocando con un grande: Bix Beiderbecke. De ahí en adelante no pararía de trabajar jamás. Desde 1925 al 29 se va a California para tocar en la Orquesta de Ben Pollack. Luego cambiará su residencia a New York para trabajar en sesiones de grabación y radio. Es un momento en que Benny siempre esta activo: tocando, actuando, de gira o grabando. En cada nota que toca demuestra que ya es el clarinetista mas técnico y experimentado del país. En 1934, Benny decide formar su propia orquesta para actuar en los bailoteos de laBillie Rose´s Music Hall; luego se ira a la radio NBC. En esa época Goodman utiliza los arreglos deFletcher Hendersony de Lyle "Spud" Murphyque le dan un matizNew Orleansa su música y que él fusiona muy sabiamente con la música europea y ordenada que había aprendido en su etapa de formación clásica; para lograr, finalmente, esa música chispeante, elegante y alegre que le caracteriza.
Al finalizar el contrato con la NBC, Goodman, empujado por el productor John Hammond Jr. decide hacer un tour nacional con su orquesta. Se producen cambios de músicos en la banda; pero el 21 de agosto de 1935, la orquesta de Goodman ya esta en plena forma y cuando llega a Los Angeles, con el trompetista Bunny Berigan y el baterista Gene Krupa a la cabeza, para tocar en el Salón de baile del Palomar con un contrato por dos noches, obtienen un éxito tan grande que tienen que quedarse allí durante meses.
De ese instante en adelante la fama de Benny Goodman no parará de crecer y comenzarán a sucederse los números unos en los ranking musicales. Es conocido en el mundo del jazz que Benny Goodman no fue un innovador genial como Louis Armstrong, Duke Ellington, Miles Davis o Charlie Parker; sin embargo llego a ser el nª1 del jazz en su momento, desempeñando un trabajo y un papel muy importante en la historia de esta música. Su jazz derrocho técnica, buen gusto y un notable swing que hizo bailar y sentirse felices a millones de personas en el mundo; y ya fuera con su Orquesta, trío, cuarteto o sexteto, trajo con su música al jazz una sofisticación nunca antes vista ni oída en las salas de baile. Además de todo eso, Benny Goodman fue el primer músico importante que introdujo músicos negros en sus formaciones, combatiendo con ello la discriminación racial imperante en los grupos de jazz y en la sociedad estadounidense de su época. Recordemos también, que Benny lanzó a la fama a extraordinarios músicos negros (como Charlie Christian y Lionel Hampton) y ayudo a la gran Billie Holiday a que pudiera grabar su primer disco en un momento en que nadie creía en ella.
Benny inicia sus grabaciones en trío con Gene Krupa a la batería y Teddy Wilson al piano. Con esta pequeña formación se presenta en pequeños sitios, pero algunos fanáticos racistas no aceptaran al negro Wilson que le acompaña en el escenario. El atrevimiento de Benny le trae un aluvión de criticas y algunos de sus contratos le son cancelados. Benny Goodman responde contratando a Teddy Wilson como miembro permanente de su orquesta, convirtiéndola de esa manera, en la primera orquesta multirracial del jazz. En 1936 su trio se transforma en Cuarteto. El nuevo es otro notable músico negro: Es el vibrafonísta Lionel Hampton. En paralelo, la orquesta de Goodman sigue su camino de éxitos. Ése año, la Orquesta de Benny coloca 15 éxitos en el Top10. Entre ellos: "It's Been So Long", "Goody-Goody", "The Glory of Love", "These Foolish Things Remind Me of You" y "You Turned the Tables on Me" todos ellos cantados por Helen Ward.
El nombre de Benny Goodman pasa a ser sinónimo de éxito comercial y su imagen se comienza a ver en películas; en revistas, en las portadas de montones de discos; sus actuaciones las hace con el cartel de "NO hay billetes" en los mejores teatros y salas de baile del pais; manteniendo con todo ello, una presencia continua -hasta finales de 1939- en el programa de radio “The Camel Caravan” (equivalente a un programa nº1 de la tele de hoy) .
El 16 de enero de 1938 BGoodman sella su éxito y reputación como jazzman al ofrecer un histórico y magistral concierto en el Carnegie Hall en el que se ganará el apodo de El Rey del Swing. Quienes no lo hayan hecho, deberian escuchar la grabación de este concierto, que les permitirá disfrutar del sonido redondo de la orquesta de Benny Goodman y del gran momento de sus solistas, especialmente del baterista Gene Krupa.
Benny Goodman pasa a ser el músico más popular de los Estados Unidos. La devoción que despierta entre sus fans le encumbran en los rankings de popularidad, superando en ese momento a los superstars: Louis Armstrong y Duke Ellington.
Los éxitos de Benny se multiplican y ubica en los primeros puestos del Hit Parade los temas "Don't Be That Way"; "I Let a Song Go out of My Heart" cantado por Martha Tilton y "Sing, Sing, Sing (With a Swing)".
Despues del exitoso concierto del Carnegie Hall, la Orquesta de BG sufre varias deserciones; Gene Krupa, Teddy Wilson y Harry James se van para formar sus propias bandas. Otros músicos cambian de rumbo y si bien Goodman encuentra buenos reemplazos, es inevitable que el sonido de la banda tenga que cambiar. Ese mismo año BGoodman deja la RCA Victor y se va a la Columbia.
Mientras tanto, el Cuarteto de Benny había crecido hasta formar un sexteto que incluía al extraordinario guitarrista Charlie Christian.
Ese 1939, su "And the Angels Sing" cantado por Martha Tilton, logra el primer puesto de ventas. En las votaciones de la prestigiosa revista Down Beat, Benny Goodman es elegido mejor solista y tanto su orquesta como el sexteto ocupan los números unos en sus respectivos rubros.
A principios de los cuarenta la orquesta inicia una etapa con grandes músicos ( Cootie Williams, Sid Catlett y Georgie Auld , Helen Forrest , Peggy Lee...) que consiguen varios exitos en estos años.
A fines de los años 40 estamos en el apogeo del bebop y Goodman arma un combo con Doug Mettome, Stan Hasselgård, Wardell Grey, Fats Navarro, Stan Getz, Don Lamond y Jimmy Rowles, para sumarse al bop; pero pronto desiste de éste género.
El descubrimiento de las cintas del Concierto del Carnegie Hall de 1938 y su inmediato lanzamiento discográfico en 1953, motiva a BGoodman a armar otra vez una Big Band para salir de gira junto a Louis Armstrong, pero las diferencias entre ambas estrellas son tan profundas, que Goodman, alega un problema de salud para borrarse del proyecto.
En 1955 se hace la película basada en su vida The Benny Goodman Story, para la cual graba la banda de sonido. Luego seguirá actuando en pequeños teatros. En 1958 se va a Europa y arma una big band para actuar en la Feria Mundial de Bruselas. En 1962, auspiciado por el Departamento de Estado de los Estados Unidos, sale de gira por la Unión Soviética. En 1969 y 70 crea sendas Big bands con músicos ingleses.
En esos años 60 y 70, era habitual verlo aparecer en la tele, en eventos o en clubes tocando con sus amigos Wilson, Hampton y Krupa.
Los últimos años de su vida los pasó en Manhattan, donde le agasajaban permanentemente. Benny Goodman murió a los 77 años tocando una sonata de Brahmsen su casa
Las imágenes de este músico soplando su trompeta doblada hacia el cielo, con las mejillas hinchadas a punto de estallar, la conocemos casi todos los jazzeros de pro. Es una imagen icónica que refleja a un personaje que fue un grande entre los grandes del jazz y que se caracterizó por la singularidad y brillantez que exhibió durante toda su dilatada carrera.
Pero además de ese look tan jazzero, Dizzy Gillespie, ofreció cosas muy importantes al jazz: La primera fue el haber sido una figura clave y pionera en el nacimiento del Bebop; Luego, fue el primer jazzman que se puso al frente de una Gran Orquesta bopper; y ademas fue -junto al cubano Chano Pozo- el principal introductor de los ritmos afrocubanos en el jazz. Dizzy, como compositor y arreglista, creo un montón de obras maestras (“Salt Peanuts”, “Bebop” , “Night in Tunisia” o “Manteca” son algunas de esas obras inmortales); y como trompetista fue un virtuoso de sonido ágil, personal y moderno, que podía tocar como los dioses a una velocidad de vértigo. La influencia de su contagioso“magnetismo trompeteril” llegó a muchos jóvenes sopladores, entre los que estaba el gran Miles Davis... y esto, también, nos dice mucho de su importancia.
Dizzy se inicia en el jazz imitando a su gran ídolo Roy Eldridge. El año 1937 entra en la Orquesta de Teddy Hill reemplazando justamente a Eldridge. Después de pasearse por varios grupos; en 1942 recala en la Orquesta de Earl Hines donde conoce a Charlie Parker. Bird y Dizzy son dos personalidades opuestas; pero que se complementan a la perfección. Ambos buscan un nuevo lenguaje para el jazz y lo encontraran tocando junto a un grupo de músicos sagaces e inquietos en el Club Minton`s de Harlem. Entre ellos estaban los bateristas Kenny Clark yMax Roach; El contrabajista CharlieMingus; Los pianistas Thelonious Monk y Bud Powell y el guitarrista Charlie Christian. Todos ellos desarrollaran su música individualmente y luego encajaran las piezas, como en un puzzle, para crear aquello que llamamos bebop.
En los años 50, Dizzy Gillespie deshace su gran orquesta bopera y comienza a liderar diversos “combos” (quintetos, sextetos y dúos). Participa, como gran figura, en las giras que hacen las J.A.T.P -de Norman Granz- por los Estados Unidos. En 1956, el Depto de Estado de su país le encarga la dirección de una Gran Orquesta con el fin de difundir el Jazz por Europa, Asia, Oriente Medio y Sudamerica. La diplomacia musical de Dizzy resulta ser tan efectiva, que con 70 años de edad, aun seguirá en esos menesteres promocionales. En la década de los 80 Dizzy dirige y recorre el mundo con la United Nations Jazz Orchestra. Junto al viejo -pero moderno maestro- viajan jóvenes figuras latinas como Paquito D`Rivera, Ignacio Berroa, Airto Moreira, Danilo Pérez, Arturo Sandoval, Claudio Roditi… Todos ellos se consagrarán a su lado.
John B. Gillespie, apodado "Dizzy" a causa de su carácter alegre y bromista, falleció de cáncer el 6 de Enero de 1993. Se fue siendo querido, admirado y reconocido como máxima figura del jazz.
Considerándole un “incontestable” entre 54 mejores del jazz de todos los tiempos, sea un invitado de lujo en esta reunión de Jazz54.
Ornette Coleman es otro de los músicos fundamentales de la historia del jazz, un incontestable que está entre los 54 mejores de todos los tiempos por ser uno de los padres del Free Jazz (el único estilo auténticamente innovador del jazz desde los tiempos del bebop).
Cuando a finales de la década de los cincuenta y comienzos de los 60 Ornette Coleman graba sus primeros discos, se convertirá en el receptor de turno de las criticas de los “puristas del jazz" que le acusan de “asesinar el jazz" y de ser él mismo, un bluff como músico.
El rechazo y la consecuente falta de trabajo no amilana a un Ornette peleon, que no se rinde y muy al contrario, comienza a profundizar en su discurso liberador para el jazz. Partiendo de sus raíces bluseras, nuestro músico construye, estudia y pule un lenguaje nuevo para el jazz. Lo hace con plena dedicación y consciencia. Al sistema que desarrollará le llamará Armolodía y según él, permite al músico que la practica, ser un individuo libre y único cuando toca.
Desde ese momento en adelante, no existirán medias tintas para un Ornette liberado y valiente que aplicará su sistema contra viento y marea. Lo hará tocando encima de los comentarios adversos o criticas despiadadas; también en contra del viento de las tradiciones y fundamentos supuestamente inamovibles del mundo del jazz; e incluso, en contra de sus propias conveniencias personales. Su propuesta consiste en pasar de los acordes y de la improvisación basada en ellos. Liberada la armonía, tocará la música que él sienta en ese instante. Aplicando su “sistema armolodico” se podrá improvisar libremente sobre una guia melódica de apoyo, que será la única guía donde se explayen libremente los sentimientos de los músicos que le acompañen en la aventura.
El año 1960 Ornette pone sus cartas sobre la mesa y graba “Free jazz” (Atlantic), un disco manifiesto que se convertirá en un inmenso terremoto que removerá los cimientos del jazz. Se trata de una improvisación colectiva de un doble cuarteto (el de Ornette, mas otro añadido) que tocará sin amarras ni cadenas un jazz liberado del todo. A oídos de los puristas, Ornette suena a ruido caótico, agresivo y grotesco; Para sus admiradores, su música es toda creatividad, belleza pura; frescura, originalidad; audacia y libertad.
El rechazo de los puristas sobre la música de Ornette termina el año 2007, cuando a causa de la grabación de “Sound Grammar” (2006) recibe los prestigiosos premios Pulitzer y Grammy. Esos reconocimientos transformaran al ya anciano Ornette en un clásico y verdadero rey del jazz para esos "puristas de antaño", que arrepintiéndose de lo dicho 50 años antes, le contrataran casi a diario en sus clubes, le invitaran a comer, le pondrán medallitas, le pedirán autógrafos y se transformaran en sus principales admiradores y compradores de discos... Nunca es tarde si la dicha es buena, dicen por ahí. Ahora, solo nos basta decir: ¡Por fin se hace justicia contigo, querido Ornette! En Jazz54 tienes un sitio de honor desde siempre por ser un ARTISTA de verdad.
Seguro que muchos de ustedes ya estaban echando de menos a la figura de Bill Evans; ese pianista especial que jazz54 ha elegido como uno de los cincuenta y cuatro músicos mas importantes de la historia del jazz
Bill Evans fue un músico con fuertes influencias impresionistas de los pianistas clásicos franceses Claude Debussy y Maurice Ravel. Su pianismo relajado; luminoso; lírico; sereno e introspectivo, le convirtió en una especie de poeta del piano que arribó al jazz trayendo una nueva estética y un espíritu innovador que puso en practica revolucionando los conceptos rítmicos y armónicos de su instrumento.
El bueno de Bill, que se dio a conocer en una formación de Charles Mingus, alcanzó la cumbre en el combo de Miles Davis, cuando formo parte del espectacular grupo que grabó la obra mas exitosa y capital de la historia del jazz: Kind of Blue (1959).
Después de esto, Evans y su piano volarán por su cuenta para liderar esos famosos tríos con batería y contrabajo, con los que tan maravillosamente dialogará y que crearan escuela dentro del jazz moderno. También son famosas sus grabaciones en solitario o junto a otras grandes estrellas del jazz como Stan Getz, Jim Hall, Toots Thielemans, Cannonball Adderley o Lee Konitz. En fin, solo o acompañado, este músico moderno e hipersensible siempre nos dictó un magnifico magisterio con las teclas de ébano y marfil.
Terminamos diciendo que Bill Evans fue, junto a Bud Powell, el pianista mas influyente de su generación, y por ello se convirtió en la principal influencia de gigantescos pianistas contemporáneos como son Keith Jarrett; Michael Petrucciani; Chick Corea oHerbie Hancock...
Coleman HawkinsBean, Hawk Missouri, USA, 1904/ N. York, 1969 Saxo tenor; Composición En la carta del rey de picas aparece otro de nuestros invitados ilustres. Se trata de Coleman Hawkins, también conocido como Bean o Hawk, un músico al que se le considera “el padre del saxo tenor en el jazz". Hawk, que poseía una gran formación musical, comenzó sus estudios de piano a los 5 años de edad; a los 7 siguió con el cello, y a los 9 con el saxo tenor. Luego iniciará estudios de música clásica en el Washburn College de Kansas City, que completará en la ciudad de Chicago. En 1920, es contratado por la cantante de blues Mamie Smith, con la que grabará su primer disco en Nueva York. Los magníficos solos de esta grabación, le abrirán, definitivamente, las puertas del jazz en esa ciudad. El año 1923, Hawkins entra en la orquesta de Fletcher Henderson (la primera "Big band" de la historia del jazz). Allí destacará muy pronto. Uno de sus compañeros es el trompetista Louis Armstrong, de quien tomará prestado una buena parte de sus recursos melódicos, rítmicos y técnicos. Mezclándolos con los suyos, Hawks construirá un nuevo estilo que le proporcionara un sonido mas rico, fluido y sensual, y que será definitivo para sacar al saxo tenor del "papel de relleno" que tenia en los grupos de jazz de esa época.
Por esa vía el sonido de Bean se convierte en un sonido maduro, voluminoso, y de gran personalidad, que se hace notar allí donde este.
El gran salto hacia adelante que experimenta el saxo tenor en manos de Hawkins, hace que este adquiera un nivel de instrumento solista, muy similar al que tenía la trompeta en las bandas de jazz de aquellos años. Con ese equipaje, Coleman Hawkins será uno de los reyes indiscutibles de la escena del jazz en las décadas de los años 20 y los 30, un modelo de jazzman al que todos quieren seguir o imitar.
En 1939, Bean -a quien se da el crédito de haber inventado el estilo Balada en el Jazz- graba Body and Soul, una pieza maestra que se transformará en un clásico de este genero. En ese momento Coleman Hawkins es el saxofonista mas famoso del mundo; pero ya tiene enfrente a Lester Young, un joven tenor que viene pisando fuerte y que trae consigo un estilo que causa furor entre las nuevas generaciones de saxofonistas; y ese estilo, que es muy diferente al suyo, se impondrá...
Cualquier aficionado al jazz sabe que Count Basie es un “incontestable” que no puede faltar a esta fiesta de los 54 mejores del jazz de todos los tiempos.
Tenemos claro que si tuviéramos que elegir una música que represente lo que ha sido el estilo “swing” en el jazz, esa seria la de Count Basie.
La Orquesta de Basie era una maquina perfecta de fabricar swing, un estilo de música que gustó y penetro tanto en el publico de casi todo el mundo, que hoy se la considera como la mas popular y alegre que ha existido en toda la historia del jazz, y que según el erudito Joachim Berendt, es la imagen sonora de lo que entendemos en este siglo por “jazz tradicional”.
El Swing era un estilo de jazz basado en ritmos explosivos, chispiantes y contagiosos. Los arreglos musicales eran ricos, exquisitos y ampulosos y parecían estar concebidos para incitar el baile y al divertimento. Sobra decir que esa música era odiada por dictadores tipo Hitler; Stalin; Franco o Mussolini, porque según ellos, incitaban al desmadre y al libertinaje del personal (véase un post del Dr. Krapp al respecto: http://sinfoniazul.blogspot.com/2011/02/swing-heil.html
Count Basie, que en esto de la música tenia las ideas muy claras, decía que si tocabas un tema y la gente no seguía el ritmo con el pie, había que dejar de tocarlo; o que si tocabas un tema y la gente se volvía loca de alegría, había que tocarlo siempre... y esta ultima idea que retrataría perfectamente la tolerancia que distingue al jazz de otras músicas mas rígidas: “Si tocas pop y quieres sentirte realizado con ello, ponle un poquitín de jazz”… Con estos principios y su buena música, Basie se convirtió en el favorito de las salas de baile, y en el mas connotado representante del Swing en todo el mundo.
La orquesta de Count Basie se formo en la era de la Gran Depresión. El crack económico afectó a todo el ámbito musical estadounidense, pero no a las grandes orquestas, que en contradicción al momento critico que se vivía en aquellos años, eran reclamadas por el gran publico para actuar en espectáculos lo mas fastuosos posibles. Y ahí apareció El Conde Basie con su swing, funcionando como una válvula de escape para mitigar las penurias de un pueblo, que en vez de llorar, prefirió bailar.
Basie, fue un gran discípulo de Fats Waller y de él heredo el swing y la alegría contagiosa de su música; pero ciertamente que en un estilo propio y simplificado al máximo. El pianismo de Basie se caracterizaba por la sencillez y la economía de notas con las que tocaba. Lo suyo era crear amplios espacios para ir abriendo el camino a las improvisaciones del grupo. Ese pianismo de toque conciso y ligero, estaba en la onda del “menos es mas” que proclamaba Mies Van der Rohe desde la Bauhaus.
Count Basie comenzó su carrera el año 1922 como pianista en la Orquesta de Bennie Moten,A la muerte de este (en 1935) Count formó una orquesta con los mimbres que habían quedado huérfanos del grupo de Moten. (Lester Young, Bud Clayton, Walter Page y Jo Jones). Las actuaciones fijas que consiguió la Count Basie Orchestra en el Reno Club de Kansas City, se radiaban todas las noches con un eco parecido al que tiene la televisión de esta época; Y como en un cuento con final feliz, apareció el oyente que les escuchó y les llevó al estrellato.
"Armstrong revolucionó el mundo de los metales; pero después de Charlie Parker todos los instrumentistas tuvieron que cambiar su forma de tocar las baterías, los saxofones, los bajos, las trompetas, los trombones y los pianos" Cootie Williams